Arte Barroca

A arte barroca surgiu em meados do século XVIII, na Itália. A igreja católica adotou o formato artístico em suas construções e propagou a nova onda cultural por vários países do continente europeu. O movimento foi criado após o desenvolvimento do Renascimento e ambos seguiam uma ideologia semelhante, em que valorizavam elementos da antiguidade. O mundo passava por diversas descobertas e reformas sociais e políticas. A religião católica perdendo muitos membros para os seguidores da ideologia de Martin Lutero, com o protestantismo. Estabelecia-se, então, a Monarquia: o país era comandado por um rei ou imperador. As obras do movimento Barroco apresentam características fortes e vivas, o que mexe com o emocional do ser humano. Ao se deparar com as construções e/ou pinturas da arte barroca, é possível observar os detalhes e a proximidade que elas têm com os seres humanos. O sentimento nas obras, a beleza, eram características bem fortes. O Barroco chegou ao continente americano, juntamente com os colonizadores europeus. Muitas das construções dos países da América são da arte barroca. O Brasil, por exemplo, possui algumas cidades onde ainda existem essas edificações, como é o caso de Ouro Preto, em Minas Gerais. No estado da Bahia, encontram-se enormes igrejas, dos séculos passados e a influência da arte barroca se faz presente. Não apenas em grandes edificações é que o Barroco exerce influência, mas também em objetos de decoração como os móveis, por exemplo. Ainda hoje existem camas, cômodas e outros acessórios desenhados de acordo com esse tipo de arte. Era comum o uso deles nos palácios reais e um exemplo disso era o Palácio de Versalhes, onde residia o rei Luís XIV, da França. A arte barroca marcou a história no campo da música. A partir desse movimento, saem os grandes mestres da música erudita, além de nascerem os gêneros como a ópera, a suíte e os concertos. Também os movimentos do Barroco e do Rococó marcaram grande parte da Europa e revelou um dos maiores artistas da cultura brasileira, Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho. Movimento Barroco  O movimento Barroco teve seu início na Itália, ao final do século XVI e início do século XVIII. A partir daí, se difundiu pelos países da Europa e chegou até as colônias, como, por exemplo, o Brasil. A palavra 'barroco', de origem portuguesa, significa uma pedra preciosa imperfeita, com os seus formatos irregulares. O Barroco é uma manifestação literária. O Renascimento, a onda artística que antecede o Barroco, serviu de grande influência para o novo movimento. Havia estourado uma crise por causa do desenvolvimento da política, da religião, da modernização da sociedade e seus valores, e, principalmente, do meio cultural. O conflito maior se dava entre a fé e a ciência, uma vez que a segunda ganhava mais espaço. Uma das ideias do fenômeno do Barroco era de fazer a junção dos dois elementos, fé e ciência, o primeiro, resgatado pela Contrarreforma e o segundo se expandia com a modernidade. A partir disso, surgiu uma vertente encontrada no Barroco, que era o fusionismo. Esse segmento da arte barroca visava a mistura dos elementos presentes nas duas ideologias. Nas pinturas era comum o ponto de vista medieval e os ideais renascentistas, ou seja, havia a mistura de luz e sombra nas pinturas; a literatura combinava os pensamentos racionais com os irracionais. A imagem das divindades ganhava formas humanas, na mistura entre o homem e Deus, a fé e a razão, os seres celestiais, nas pinturas, eram homens e mulheres. No movimento Barroco, há uma valorização do contraste entre as coisas opostas, chamada de culto do contraste. Neles, os extremos são colocados em um mesmo lugar e em uma mesma obra, como forma de aproximação dos extremos, como a junção do sagrado e do profano, a juventude e a velhice, os céus e a terra, pecado e o perdão, dentre outros. O pessimismo também é outra característica encontrada na arte barroca, assim como o conflito entre o 'eu' e o mundo, em que os autores se sentiam divididos entre razão e fé. Na arte barroca, encontram-se alguns atributos que relatam o sofrimento do ser humano, com miséria e dor. O Apóstolo Pedro, sendo crucificado de cabeça para baixo, é um dos quadros da arte barroca. A linguagem da literatura barroca é riquíssima. Os escritos são bastante trabalhados na tentativa de demonstrar tal riqueza que acompanha as pinturas e esculturas, através da leitura. Os escritores utilizam-se de várias figuras de linguagem como antíteses e paradoxos, que valorizam a aproximação dos opostos. Ainda na linguagem do movimento barroco, existia outra forma de expressão, chamada de Conceptismo,  o qual, funcionava de forma contrária ao rebuscamento linguístico e procurava atrair o leitor, de sorte a seduzi-lo. A construção era mais intelectualizada e não tinha características do cultismo. Os textos eram redigidos na forma de prosa. No Brasil, o Barroco chega no século XVIII, com os colonos europeus, na mesma época em que permeavam as ideias iluministas e o pensamento racionalista e antropocêntrico. Nesse período, o Brasil tinha sua economia baseada no ouro branco - o açúcar. As lavouras se concentravam no nordeste brasileiro, de onde saíram os primeiros escritores do Barroco. Antes da chegada ao Brasil, o Barroco teve, em Portugal, um dos maiores escritores dessa literatura. O Padre Antônio Vieira, que era contra o movimento cultista (utilizava a junção dos opostos por meio de figuras de linguagem), escreveu diversos sermões e dentre eles, o mais famoso, chamado de Sermão da Sexagésima. O Barroco teve grandes influências na arquitetura de alguns dos países da Europa e da América Latina também. As construções não costumam seguir padrões geométricos, muito menos simétricos. As edificações barrocas são imensas e belíssimas, repletas de detalhes, além dos desenhos em curvas. Muitas delas servem de referências religiosas e recebem milhares de devotos, como é o caso da Catedral de Santiago de Compostela, em La Coruña, na Espanha. A Catedral, construída por volta de 1765, é um exemplo do movimento da arte barroca no território espanhol. Essa edificação é o término de uma caminhada de cerca de 700 quilômetros, os quais o escritor brasileiro, Paulo Coelho, dedicou um livro, chamado de 'O Diário de um Mago', onde conta tal experiência. Além da Catedral de Santiago de Compostela, existem outras construções no formato da arte barroca. O Brasil conta com uma gama de templos dessa época da Literatura. A Igreja de São Francisco, em João Pessoa, Paraíba; a também Igreja de S. Francisco, em Salvador, Bahia e a Matriz de Santo Antônio, em Recife. Sem contar com os palácios construídos no Rio de Janeiro, no período colonial.

Curiosidade:como surgiu a arte no Brasil?

Inicialmente, a arte brasileira começou com a ajuda da Igreja Católica e das celebrações religiosas. No século XVII, a arte começa a se separar da igreja com pinturas que remetiam à situação e às pessoas da época. Nesse mesmo século, ocorreu a invasão holandesa em Pernambuco e isso contribuiu para a chegada de artistas que retratariam a natureza brasileira. Porém, eles não absorveram a identidade brasileira e voltaram ao seu país com o fim da ocupação. Com a chegada do século XVIII, as cidades mais organizadas passaram a contar com mais artistas. Em 1732, no Rio de Janeiro, foi feita a primeira pintura em perspectiva do Brasil. Na Bahia, ocorria a ascensão do rococó com pinturas ilusionistas; porém, foi em Minas Gerais que ocorreu a verdadeira revolução artística. Os mineiros faziam pinturas barrocas sob a influência do rococó. Um dos artistas mais importantes dessa época foi o escultor Aleijadinho. Com o início do século XIV, foi criada, no Rio de Janeiro, a primeira escola voltada para o ensino da arte.

Semana de arte moderna!

A Semana de Arte Moderna  de 1922, realizada em São Paulo, no Teatro Municipal, de 11 a 18 de fevereiro, teve como principal propósito renovar, transformar o contexto artístico e cultural urbano, tanto na literatura, quanto nas artes plásticas, na arquitetura e na música. Mudar, subverter uma produção artística, criar uma arte essencialmente brasileira, embora em sintonia com as novas tendências européias, essa era basicamente a intenção dos modernistas.

Durante uma semana a cidade entrou em plena ebulição cultural, sob a inspiração de novas linguagens, de experiências artísticas, de uma liberdade criadora sem igual, com o conseqüente rompimento com o passado. Novos conceitos foram difundidos e despontaram talentos como os de Mário e Oswald de Andrade na literatura, Víctor Brecheret na escultura e Anita Malfatti na pintura.

O movimento modernista eclodiu em um contexto repleto de agitações políticas, sociais,econômicas e culturais. Em meio a este redemoinho histórico surgiram as vanguardas artísticas e linguagens liberadas de regras e de disciplinas. A Semana, como toda inovação, não foi bem acolhida pelos tradicionais paulistas, e a crítica não poupou esforços para destruir suas idéias, em plena vigência da República Velha, encabeçada por oligarcas do café e da política conservadora que então dominava o cenário brasileiro. A elite, habituada aos modelos estéticos europeus mais arcaicos, sentiu-se violentada em sua sensibilidade e afrontada em suas preferências artísticas.

A nova geração intelectual brasileira sentiu a necessidade de transformar os antigos conceitos do século XIX. Embora o principal centro de insatisfação estética seja, nesta época, a literatura, particularmente a poesia, movimentos como o Futurismo, o Cubismo e oExpressionismo  começavam a influenciar os artistas brasileiros. Anita Malfatti trazia da Europa, em sua bagagem, experiências vanguardistas que marcaram intensamente otrabalho desta jovem, que em 1917 realizou a que ficou conhecida como a primeira exposição do Modernismo brasileiro. Este evento foi alvo de escândalo e de críticas ferozes de Monteiro Lobato, provocando assim o nascimento da Semana de Arte Moderna.

O catálogo da Semana apresenta nomes como os de Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Yan de Almeida Prado, John Graz, Oswaldo Goeldi, entre outros, na Pintura e no Desenho; Victor Brecheret, Hildegardo Leão Velloso e Wilhelm Haarberg, na Escultura; Antonio Garcia Moya e Georg Przyrembel, na Arquitetura. Entre os escritores encontravam-se Mário e Oswald de Andrade, Menotti Del Picchia, Sérgio Milliet, Plínio Salgado, e outros mais. A música estava representada por autores consagrados, como Villa-Lobos, Guiomar Novais, Ernani Braga e Frutuoso Viana.

Em 1913, sementes do Modernismo já estavam sendo cultivadas. O pintor Lasar Segall, vindo recentemente da Alemanha, realizara exposições em São Paulo e em Campinas, recepcionadas com uma certa indiferença. Segall retornou então à Alemanha e só voltou ao Brasil dez anos depois, em um momento bem mais propício. A mostra de Anita Malfatti, que desencadeou a Semana, apesar da violenta crítica recebida, reunir ao seu redor artistas dispostos a empreender uma luta pela renovação artística brasileira. A exposição de artes plásticas da Semana de Arte Moderna foi organizada por Di Cavalcanti e Rubens Borba de Morais e contou também com a colaboração de Ronald de Carvalho, do Rio de Janeiro. Após a realização da Semana, alguns dos artistas mais importantes retornaram para a Europa, enfraquecendo o movimento, mas produtores artísticos como Tarsila do Amaral, grande pintora modernista, faziam o caminho inverso, enriquecendo as artes plásticas brasileiras.

A Semana não foi tão importante no seu contexto temporal, mas o tempo a presenteou com um valor histórico e cultural talvez inimaginável naquela época. Não havia entre seus participantes uma coletânea de idéias comum a todos, por isso ela se dividiu em diversas tendências diferentes, todas pleiteando a mesma herança, entre elas o Movimento Pau-Brasil, o Movimento Verde-Amarelo e Grupo da Anta, e o Movimento Antropofágico. Os principais meios de divulgação destes novos ideais eram a Revista Klaxon e a Revista de Antropofagia.

O principal legado da Semana de Arte Moderna foi libertar a arte brasileira da reprodução nada criativa de padrões europeus, e dar início à construção de uma cultura essencialmente nacional.

ACADEMIA X VANGUARDA

Para entendermos melhor esse assunto, primeiramente precisamos entender o que é um Movimento Artístico.

O movimento é um tema muito estudado na Física, mas também é de grande importância para arte.

Em sua obra pode:                                                                                               

·         Fazer apenas uma alusão ao movimento de corpos;

·         Usar de certos efeitos para conseguir a sensação ou percepção deste;

·         Produzir obras que se movam realmente.

No campo da arte, a palavra movimento também é utilizada no sentido de uma tendência  de produção artística de uma época e de um grupo de artistas.

A arte se movimenta com o mundo. Ela acompanha o pensamento humano em todas as épocas e assim como o pensamento humano muda, isso também ocorre com a arte.

Quando um grupo de artistas tem um objetivo ou filosofia em comum, produzindo obras que seguem um estilo ou tendência semelhante durante certo período de tempo, dizemos que existe um Movimento Artístico.

Os movimentos artísticos podem durar meses, anos ou até décadas. Não são restritos ao mundo das artes plásticas, podendo também englobar a dança, a música, a arquitetura, a literatura, etc. e fazer uma ponte com outras áreas do conhecimento humano, como a Medicina e a Física.

    Em geral, podemos pensar nos movimentos artísticos da cultura ocidental dividindo-os em dois grandes grupos:

ACADÊMICOS

    Quando a produção artística segue regras ditadas por uma escola ou uma academia, de maneira alheia a novas concepções de arte, dizemos que se trata de uma produção acadêmica.
    As primeiras academias de arte surgiram na Itália, na cidade de Florença, no século XVI, e visavam manter a tradição do estilo de arte desenvolvido no Renascimento. Por isso, em geral, o termo academicismo é usado para designar escolas que cultivam um tipo de produção artística em que existe um compromisso grande com a representação da realidade e a ligação entre arte, ciência e filosofia.

VANGUARDISTAS

    Quando a produção e o pensamento de um grupo propõem uma nova visão para a arte, temos as vanguardas artísticas.
    Vanguarda é “aquilo que está à frente”. Vanguardistas são artistas que buscam inovar a arte e fazê-la avançar no tempo, ou mesmo adequá-la às mudanças de seu tempo.
    As vanguardas atuam de maneira semelhante à do universo político: geralmente possuem militantes ou seguidores e produzem manifestos, em que expressam suas propostas.

Cubismo

História movimento cubista 

O marco inicial do Cubismo ocorreu em Paris, em 1907, com a tela Les Demoiselles d''Avignon, pintura que Pablo Picasso levou um ano para finalizar. Nesta obra, este grande artista espanhol retratou a nudez feminina de uma forma inusitada, onde as formas reais, naturalmente arredondadas, deram espaço a figuras geométricas perfeitamente trabalhadas. Tanto nas obras de Picasso, quanto nas pinturas de outros artistas que seguiam esta nova tendência, como, por exemplo, o ex-fauvista francês – Georges Braque – há uma forte influência das esculturas africanas e também pelas últimas pinturas do pós-impressionista francês Paul Cézanne, que retratava a natureza através de formas bem próximas as geométricas. 

Historicamente o Cubismo se dividiu em duas fases: Analítico, até 1912, onde a cor era moderada e as formas eram predominantemente geométricas e desestruturadas pelo desmembramento de suas partes equivalentes, ocorrendo, desta forma, a necessidade de não somente apreciar a obra, mas também de decifra-la, ou melhor, analisa-la para entender seu significado. Já no segundo período, a partir de 1912, surge a reação a este primeiro momento, o Cubismo Sintético, onde as cores eram mais fortes e as formas tentavam tornar as figuras novamente reconhecíveis através de colagens realizadas com letras e também com pequenas partes de jornal. 

Na Europa está o maior número de artistas que se destacaram nesta manifestação artística, entre eles os mais conhecidos além dos precursores Pablo Picasso e Braque são: Albert Gleizes,  Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Robert Delaunay, Roger de La Fresnaye, e Juan Gris.   

Cubismo no Brasil

Somente após a Semana de Arte Moderna de 1922 o movimento cubista ganhou terreno no Brasil. Mesmo assim, não encontramos artistas com características exclusivamente cubistas em nosso país. Muitos pintores brasileiros foram influenciados pelo movimento e apresentaram características do cubismo em suas obras. Neste sentido, podemos citar os seguintes artistas: Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Rego Monteiro e Di Cavalcanti.

Fauvismo

O fauvismo é uma corrente artística do início do século XX aliada à pintura, tendo como uma das características a máxima expressão pictórica, onde as cores são utilizadas com intensidade, além de outras, como a simplificação das formas, o estudo das cores. Os seus temas eram leves, e não tinham intenção crítica, revelando apenas emoções e alegria de viver.

 As cores eram utilizadas puras, para delimitar planos, criar a perspectiva e modelar o volume. O nome da corrente deve-se a Louis Vauxcelles. Esse chamou alguns artistas de “Les Fauves” (que significa “feras” em português) em uma exposição em 1905, pois havia ali a estátua convencional de um menino rodeada de pinturas nesse novo estilo.

 Os princípios desse movimento foram:

• Criar, em arte, não possui relação com o intelecto ou sentimentos;
• Criar é considerar os impulsos do instinto e das sensações primárias;
• Exaltação da cor pura.

 Participaram do movimento fauvista os pintores: Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain e Othon Friesz; principais responsáveis pelo gosto do uso de cores puras, presentes no cotidiano atual, em objetos e peças de vestuário.

 O principal representante do movimento Fauvista foi Henri Matisse, que tinha por característica a despreocupação com o realismo, onde as coisas representadas eram menos importantes do que a forma de representá-las.  Por exemplo, “Natureza morta com peixes vermelhos”, pintado em 1911, quando se observa que o importante são as cores puras e estendidas em grandes campos, essenciais para a organização da composição.

O renascimento

O Renascimento foi um importante movimento de ordem artística, cultural e científica que se deflagrou na passagem da Idade Média para a Moderna. Em um quadro de sensíveis transformações que não mais correspondiam ao conjunto de valores apregoados pelo pensamento medieval, o renascimento apresentou um novo conjunto de temas e interesses aos meios científicos e culturais de sua época. Ao contrário do que possa parecer, o renascimento não pode ser visto como uma radical ruptura com o mundo medieval.

A razão, de acordo com o pensamento da renascença, era uma manifestação do espírito humano que colocava o indivíduo mais próximo de Deus. Ao exercer sua capacidade de questionar o mundo, o homem simplesmente dava vazão a um dom concedido por Deus (neoplatonismo). Outro aspecto fundamental das obras renascentistas era o privilégio dado às ações humanas, ou humanismo. Tal característica representava-se na reprodução de situações do cotidiano e na rigorosa reprodução dos traços e formas humanas (naturalismo). Esse aspecto humanista inspirava-se em outro ponto-chave do Renascimento: o elogio às concepções artísticas da Antiguidade Clássica ou Classicismo.

Essa valorização das ações humanas abriu um diálogo com a burguesia que floresceu desde a Baixa Idade Média. Suas ações pelo mundo, a circulação por diferentes espaços e seu ímpeto individualista ganharam atenção dos homens que viveram todo esse processo de transformação privilegiado pelo Renascimento. Ainda é interessante ressaltar que muitos burgueses, ao entusiasmarem-se com as temáticas do Renascimento, financiavam muitos artistas e cientistas surgidos entre os séculos XIV e XVI. Além disso, podemos ainda destacar a busca por prazeres (hedonismo) como outro aspecto fundamental que colocava o individualismo da modernidade em voga.

A aproximação do Renascimento com a burguesia foi claramente percebida no interior das grandes cidades comerciais italianas do período. Gênova, Veneza, Milão, Florença e Roma eram grandes centros de comércio onde a intensa circulação de riquezas e ideias promoveram a ascensão de uma notória classe artística italiana. Até mesmo algumas famílias comerciantes da época, como os Médici e os Sforza, realizaram o mecenato, ou seja, o patrocínio às obras e estudos renascentistas. A profissionalização desses renascentistas foi responsável por um conjunto extenso de obras que acabou dividindo o movimento em três períodos: o Trecento, o Quatrocento e Cinquecento. Cada período abrangia respectivamente uma parte do período que vai do século XIV ao XVI.

Durante o Trecento, podemos destacar o legado literário de Petrarca (“De África” e “Odes a Laura”) e Dante Alighieri (“Divina Comédia”), bem como as pinturas de Giotto di Bondoni (“O beijo de Judas”, “Juízo Final”, “A lamentação” e “Lamento ante Cristo Morto”). Já no Quatrocento, com representantes dentro e fora da Itália, o Renascimento contou com a obra artística do italiano Leonardo da Vinci (Mona Lisa) e as críticas ácidas do escritor holandês Erasmo de Roterdã (Elogio à Loucura).

Na fase final do Renascimento, o Cinquecento, movimento ganhou grandes proporções dominando várias regiões do continente europeu. Em Portugal podemos destacar a literatura de Gil Vicente (Auto da Barca do Inferno) e Luís de Camões (Os Lusíadas). Na Alemanha, os quadros de Albercht Dürer (“Adão e Eva” e “Melancolia”) e Hans Holbein (“Cristo morto” e “A virgem do burgomestre Meyer”). A literatura francesa teve como seu grande representante François Rabelais (“Gargântua e Pantagruel”). No campo científico devemos destacar o rebuliço da teoria heliocêntrica defendida pelos estudiosos Nicolau Copérnico, Galileu Galilei e Giordano Bruno. Tal concepção abalou o monopólio dos saberes desde então controlados pela Igreja.

Ao abrir o mundo à intervenção do homem, o Renascimento sugeriu uma mudança da posição a ser ocupada pelo homem no mundo. Ao longo dos séculos posteriores ao Renascimento, os valores por ele empreendidos vigoraram ainda por diversos campos da arte, da cultura e da ciência. Graças a essa preocupação em revelar o mundo, o Renascimento suscitou valores e questões que ainda se fizeram presentes em outros movimentos concebidos ao logo da história ocidental.

 Leonardo da Vinci, artista renascentista italiano, teve como sua principal obra Mona Lisa (ou La Gioconda).*